La Tour Eiffel

La Tour Eiffel, en italien, Tour Eiffel, a été conçue et construite par l’ingénieur français Gustave Alexandre Eiffel (1832-1923), dont elle tire son nom, pour l’Exposition universelle de Paris de 1889, organisée à l’occasion du centenaire de la prise de la Bastille. Le site choisi est celui du Campo di Marte, un vaste espace situé dans les quartiers ouest de Paris destiné à abriter un ensemble articulé de bâtiments. Eiffel était considéré comme l’un des innovateurs les plus importants des technologies de construction en fer; il avait déjà conçu la structure interne de la Statue de la Liberté. La construction de sa tour a commencé à peine deux ans plus tôt et s’est achevée juste à temps pour l’inauguration de l’Exposition.

Chroniques de l’époque où trois cents métallos ont travaillé sur la tour, qui ont assemblé 18 038 pièces de fer forgé, à l’aide de 2,5 millions de clous martelés à chaud. Incroyablement, un seul ouvrier a perdu la vie pendant le chantier. Selon les journaux de l’époque, l’opinion publique n’accueillerait pas cette curieuse construction. De plus, un groupe d’artistes et d’écrivains a protesté publiquement contre l’érection d’une tour aussi « inutile et monstrueuse ».

Une tour extraordinaire

 

La tour de fer, qui pèse 7 300 tonnes, mesurait 312,27 mètres de haut ; la hauteur actuelle est de 324 mètres, en raison de la présence d’une antenne de télévision moderne. Sa structure est divisée par trois plates-formes (à 57, 115 et 274 mètres) ouvertes au public, dont chacune abrite un belvédère. Leur fonction est double : stabiliser la tour et définir visuellement son profil.

On peut monter au sommet à pied, en s’attaquant à ses 1 665 marches, ou en empruntant l’un des deux ascenseurs transparents (qui s’arrêtent cependant au deuxième étage). Les mécanismes de ces ascenseurs sont encore ceux d’origine de 1889. Eiffel calcula le profil de la tour afin de contrecarrer l’action du vent et promit de donner aux nervures du bâtiment un aspect agréable : c’est pourquoi la base de la tour, formé de quatre piliers arqués, il supporte une structure qui s’effile progressivement.

Qu’est-ce que le shodō, l’art de la calligraphie japonaise ?

Shodō est la pratique artistique de l’écriture en japonais et un symbole de beauté. Traduit littéralement par « la voie de l’écriture artistique», shodō représente des siècles de savoir, de technique et de sagesse ancestrale d’une culture fascinée par l’art de l’écriture.

L’artiste et calligraphe japonaise Rie Takeda pratique l’art du shodō depuis l’âge de cinq ans et travaille depuis comme calligraphe professionnelle en Europe et au Japon. Takeda, qui est également enseignant, décrit ci-dessous les origines du shodō et sa relation avec la pratique mentale de la pleine conscience.

Les styles du shodo

En raison de sa tradition ancestrale, le shodō contient plus de douze styles de calligraphie et diverses techniques qui ont été développées selon l’évolution naturelle de la langue japonaise. D’autres styles ont été créés par des calligraphes renommés au cours des 3 000 dernières années. Ces formes reflétaient les caractéristiques politiques et les tendances esthétiques de ces temps anciens, et souvent les calligraphes eux-mêmes adaptaient le shodō à leurs propres curiosités artistiques.

Selon Rie Takeda, les trois styles essentiels de la calligraphie japonaise sont : kaisho (bloc), gyosho (semi-cursif) et sosho (cursif). Chaque style est plus complexe que le précédent, donc, à l’école, les enfants qui apprennent la langue du shodō dans une classe d’art ne pratiquent que le style kaisho , ou style bloc.

L’art du ménage japonais : des astuces pour l’époque

Le nettoyage au Japon est un pilier fondamental de l’éducation. Depuis que les enfants entrent à l’école, c’est-à-dire à partir du moment où ils commencent à participer à la deuxième institution la plus importante de leur vie, ils travaillent à l’exercice du nettoyage communautaire.

L’art japonais du nettoyage s’appelle Osoji et consiste à apprendre à nettoyer en profondeur, en se débarrassant des objets, des habitudes et des relations inutiles et malsains. Ainsi, libérez votre vie des fardeaux et améliorez votre santé émotionnelle.

Osoji cherche à clôturer une étape afin d’en commencer une nouvelle, d’une manière propre et pure, à la fois physiquement et spirituellement.

Dans des contextes où le monde entier a besoin des plus grands soins que l’on puisse lui apporter, en termes d’hygiène, de propreté et d’amour, utiliser cette ancienne pratique pour l’insérer dans nos maisons est une habitude idéale pour garder le corps, la maison et l’esprit propres. de tout ce qu’il fait de mal.

Pour la culture japonaise, la pureté de l’environnement est aussi représentative de la pureté de l’âme de chacun et de son monde intérieur. C’est pourquoi, dès le niveau de l’éducation de base, un horaire est alloué aux enfants pour nettoyer leurs salles de classe, patios, espaces communs et salles de bain.

Légumes traditionnels appréciés des japonais

Negi: ciboule japonaise

 

L’un des légumes les plus populaires au Japon, le negi, en raison de son apparence, est souvent confondu avec le poireau. En japonais, on peut aussi l’appeler « naga negi » (long negi) ou « shiro negi ». Cet oignon vert est utilisé pour ajouter de la saveur aux plats bouillis et aux soupes. Negi est un remède populaire contre le rhume et est donc principalement utilisé pendant les mois d’hiver.

 

Kabocha: citrouille Kabocha

 

Kabocha est une citrouille avec un goût légèrement plus sucré que le xucca ordinaire. Ces citrouilles sont de couleur vert foncé et ont une chair orange vif. Il est un composant populaire de tempura et coupé en dés est utilisé dans les salades.

Daikon ou Mooli (navet géant)

 

Le mot daikon signifie littéralement «grande racine». Lorsque le Mooli cru est croquant et tendre lorsqu’il est cuit, la saveur est plus douce que les autres types de radis. Ce légume peut être préparé de différentes manières. Il peut être bouilli avec des fruits de mer ou dans des soupes. Le daikon, lorsqu’il est râpé cru, est appelé daikon oroshi et est couramment consommé avec du poisson grillé et des nouilles soba et udon.

 

Shiso ou Perilla

 

Les feuilles de shiso de cette plante sont utilisées pour la vinaigrette.

Nagaimo

Nagaimo est un légume semblable à la pomme de terre. Son goût onctueux en fait le parfait accompagnement du plat principal.

 

Renkon: racine de lotus

La racine de lotus est populaire au Japon pour son croquant et son goût délicieux. Sa texture compacte le rend idéal pour le tempura ou cuit à la poêle.

Take no Ko: pousse de bambou

 

Les pousses de bambou, au Japon, sont typiques de la saison printanière. Take no ko est délicieux à la fois cuit et bouilli avec d’autres légumes et de la viande.

Wasabi

 

Le wasabi est célèbre dans le monde entier comme condiment pour les sushis. La pâte connue sous le nom de wasabi est la racine râpée de la plante du même nom, qui est liée à la famille de plantes qui comprend le raifort et la moutarde.

Gobo: racine de bardane

 

Le gobo est une longue racine qui est populaire pour être savoureuse et nutritive. Il n’est pas seulement utilisé dans les soupes et les plats bouillis, mais également sous forme de thé. C’est un autre légume considéré comme un remède contre le rhume et riche en fer. La racine de bardane a un goût sucré comparé par beaucoup à la racine de lotus.

Influence de l’art japonais dans l’art occidental

Jusqu’au 19ème siècle, le Japon restait en grande partie isolé du monde occidental, se fermant ainsi à ses influences et inversement. Cependant, avec la colonisation britannique du XIXe siècle, le territoire japonais commence à s’ouvrir aux influences extérieures et l’ancien système social japonais se réforme. L’art japonais est découvert par des artistes européens.

Entre 1860 et 1870, un immense afflux d’objets d’art en provenance du Japon crée une fascination naturelle pour l’art et la culture japonaises. Il a été appelé le japonisme à l’échange d’influences entre l’art japonais et européen.
Techniques uniques

L’art japonais a développé des techniques uniques, car pendant de nombreux siècles, le Japon s’est isolé du reste du monde et, par conséquent, ses traditions, son esthétique et ses artistes n’ont pas subi d’interférence d’autres cultures.

Lorsque l’art japonais a finalement franchi les frontières et explosé sur la scène mondiale dans les années 1860, tout a changé. Et l’art du Japon a été l’inspiration du mouvement impressionniste en Europe et en Amérique.

De nos jours, les Japonais conservent encore bon nombre de leurs arts, tels que l’architecture, la sculpture, l’amigurumi, le temari, le manga et d’autres arts connus dans le monde entier.

Les exemples suivants sont quelques-uns des principaux arts japonais laïques, très uniques et de grands représentants de cette culture particulière.

Art et architecture japonaise

Le pinceau est le moyen d’expression artistique préféré des Japonais, qui pratiquent la peinture et la calligraphie à la fois de façon professionnelle et comme passe-temps. Jusqu’aux temps modernes, le pinceau, et non le stylo, était toujours utilisé pour l’écriture. Pour les artistes, la sculpture était un moyen d’expression beaucoup moins efficace. La majeure partie est liée à la religion et son importance a diminué avec le déclin du bouddhisme traditionnel. Les céramiques japonaises sont parmi les plus belles du monde et bon nombre des objets japonais les plus anciens connus appartiennent à cette forme d’art. En ce qui concerne l’architecture, elle révèle clairement les préférences japonaises pour les matériaux naturels, ainsi que l’interaction de l’espace intérieur avec l’extérieur.

La principale caractéristique de l’art japonais est sa polarité. Par exemple, dans la poterie des périodes préhistoriques, la démesure a fait place à un art discipliné et raffiné. De la même manière, il existe deux structures radicalement différentes du XVIe siècle: le palais de Katsura, près de Kyoto, montre la simplicité des lignes dans lesquelles se distinguent les bois naturels et l’intégration avec les jardins environnants, avec la beauté a été réalisée presque par hasard; En revanche, le temple mausolée-sanctuaire de Toshogu sur le mont Nikko est une structure rigoureusement symétrique avec des reliefs colorés couvrant toute la surface visible.

L’art japonais est apprécié non seulement pour sa simplicité, mais aussi pour l’exubérance de ses couleurs, et a exercé une influence considérable sur la peinture et l’architecture occidentales des XIXe et XXe siècles, respectivement.

Architecture japonaise

Il se pose avec des influences pratiquement directes de la culture chinoise, et aussi du bouddhisme , se différenciant des autres cultures culturelles, telles que: la culture chinoise et l’Inde. En ce sens, l’architecture japonaise est plus naturiste, tandis que l’architecture chinoise et indienne est plus isolée et dépourvue de milieu naturel.

Dans l’architecture japonaise, il est essentiel dans le jardin, la végétation, les cerisiers, les lacs, les pierres. Toutes ces caractéristiques le rendent plus captivant, et les mesures et les proportions ne sont pas aussi importantes, puisque ce qui est indiqué ici, c’est ce que ces jardins provoquent en vue, et l’esprit.

Le matériau prédominant est toujours le bois , et vous pouvez également parler de bambou et de papier. Un autre élément important est le toit, presque toujours avec un profil curviligne. L’accès libre de l’air et de la lumière est primordial dans ce style architectural, qui cherche toujours à être connecté avec la nature.

En outre, dans l’architecture ont été créés plusieurs croquis linéaires avec des plans disproportionnés ou asymétriques, qui ont donné dans l’ensemble des travaux dynamiques et statiques.

Les fondements de l’art japonais

 

Ce style d’art, comme la philosophie qu’ils ont ou la façon de voir la vie, était en faveur de la représentation émotionnelle, de l’intuition, de la simplicité des pensées et des actions, du manque de rationalité, entre autres choses. . Ce style d’art était souvent représenté de façon symbolique et donnait naissance à deux des caractéristiques les plus singulières: le naturel, la simplicité et la simplicité. Pour cette raison, les artistes japonais ont considéré que les représentations artistiques étaient le reflet de la nature, avec laquelle ils n’avaient pas une production difficile mais ils s’appuyaient sur l’économie des médias qui ont conçu les grands résultats de l’art.

Peinture dans l’art japonais

 

En ce qui concerne la peinture ils ont eu préférence pour le dessin sans perspective, linéaire et avec grands espaces vides qu’ils ont essayé introduire avec le reste de l’œuvre. Dans cette peinture d’art n’a pas été faite comme en Occident, les kakémonos ont été créés qui sont des peintures traditionnelles qui peuvent être roulées ou dépliées verticalement pour les accrocher, faites en soie ou en papier et sont collées sur une monture qui les fait reposer, composée sur tout dans les anciens, des brocarts ou un ensemble de papier, presque toujours de texture textile ou végétale, sur lequel adhère une couche de tissu, en prenant l’ensemble une barre supérieure à assembler en l’accrochant et une autre plus épaisse et cylindrique inférieure que Il fait stretch par son poids et permet de rouler dedans. L’avantage de ces peintures est qu’elles sont enroulées et peuvent facilement être collectées.

Postures en arts internes

 

Les postures en arts internes connaissent plusieurs variantes ; il s’agit d’une forme de position réputée dont l’adoption vient de la conception qu’elle entre dans la régularisation et l’accroissement de l’énergie Vitale.

Suivant les Taoïstes, ces positions relient l’être humain au Ciel et à la Terre et réalise l’harmonie entre l’énergie cosmique et les forces dans la Terre et à l’intérieur du corps (Esprit et Souffle).

Ces postures sont plus généralement la « posture de l’arbre », « embrasser un arbre » et « adosser un arbre ».

Quelque soit la posture, le principe consiste à régulariser en profondeur la pulsion profonde grâce à l’utilisation de la respiration consciente et de la maitrise de l’intentionnelle afin d’harmoniser posture, souffle, intention, esprit dans le but de provoquer la transformation ou mutation recherchée.

Ainsi, celui qui pratique une discipline de l’art interne doit se sentir « Entier comme le bois », c’est-à-dire unifiant tête, corps, bras et jambes et ayant le contrôle total de son souffle et de ses gestes afin de former une unité.

Karate-Dō : L’art du karaté

Karate-Dō est un art martial japonais.
La signification étymologique du terme est « La Voie (Dō) de la Main (Te) Vuota (Kara) » où le vide signifie sans armes. Le karaté ne doit pas être compris comme un sport de combat né dans le but d’endommager et de blesser l’adversaire, mais essentiellement comme un chemin de croissance, une « voie » qui implique tous les aspects de l’être humain: le corps et surtout l’esprit. Le but ultime du pratiquant est l’amélioration continue de sa personne.

Pratiquer le Karaté ne signifie pas seulement former son corps et sa technique, mais aussi et surtout respecter les valeurs et les normes éthiques et morales. Et ce n’est que par le respect de ces valeurs et la confiance dans les idéaux de respect, de sincérité, d’amélioration, de constance, qu’il devient possible de procéder correctement dans l’étude de cet art martial.

Le karaté n’est donc pas un instrument offensif mais un moyen de mieux se connaître, d’en comprendre les limites et les capacités.
Le praticien du karaté, en effet, est conscient de sa force, de ses caractéristiques et de ses points qui doivent s’améliorer, être attentifs, alertes et toujours maintenir la concentration, dans la pratique comme dans celle de tous les jours.

C’est un voyage de croissance qui conduit les pratiquants à une meilleure compréhension de leur corps et de leurs attitudes, donc chaque homme au début d’une voie d’amélioration individuelle.
Pour cette raison, il est particulièrement adapté aux enfants qui apprennent à se comporter correctement avec leurs pairs et avec les adultes.
Mais il est également important pour les adultes comme un moyen d’approfondir et d’améliorer la vie grâce à une pratique physique équilibrée et un intérêt culturel stimulant.